Frau Arghamanyan, Sie sind mit Ihrem Album „Femmes de Légende“ für den OPUS Klassik nominiert. Was bedeutet das für Sie?
Die Nominierung bedeutet mir viel, vor allem als Wertschätzung für ein Projekt, das mir persönlich so am Herzen liegt.
„Femmes de Légende“ war eine echte Entdeckungsreise. Natürlich kannte ich einzelne Werke von Komponistinnen, aber je tiefer ich eingetaucht bin, desto mehr wunderbare Musik habe ich entdeckt. Immer wieder habe ich gefragt:
Warum werden diese Werke so selten gespielt? Warum sind manche dieser Namen selbst unter Musikliebhabern kaum bekannt?
Es ging mir dabei nicht darum, eine Botschaft zu vermitteln oder eine Lücke zu füllen. Sondern darum, Musik zu teilen, die mich selbst tief berührt.
Dabei geht es nicht um Anerkennung oder Ruhm. Meine Priorität ist Authentizität und die Fähigkeit, eine echte Verbindung zum Publikum herzustellen. Wenn Menschen Musik entdecken, die sie vorher nicht kannten, dann ist schon etwas Schönes gelungen.
Sehen Sie sich durch diese Nominierung in Ihrer Arbeit und in Ihrem Einsatz für die weitgehend nur wenig bekannte Klaviermusik von Komponistinnen wie Cecile Chaminade, Johanna Senfter, Louise Farrenc und anderen bestätigt?
Ja. Als Künstlerin steht man immer wieder vor einer Wahl: Bleibe ich auf dem vertrauten Pfad des großen Repertoires? Oder wage ich mich hinaus auf weniger bekanntes Terrain?
Mir ist wichtig, vergessenen Stimmen erneut Gehör zu verschaffen. Aber nicht, um Bekanntes gegen Unbekanntes auszutauschen. Ich liebe das etablierte große Klavier-Repertoire und will es durch Neuentdeckungen erweitern.
Jedes Projekt ist eine Reise durch eine geheimnisvolle Welt. Die Aufgabe des Künstlers ist es, den Zuhörer auf eine Entdeckungsreise einzuladen. Ich habe oft das Gefühl, mit der einen Hand den Zuhörer und der anderen die Komponistin oder den Komponisten zu halten. Und eine Brücke zu schlagen zwischen diesen Welten. Der Künstler sagt gewissermaßen: „Komm, ich möchte dir etwas zeigen. Ich möchte dir eine Welt eröffnen.“
Die Opus Klassik Nominierung zeigt mir: Das Publikum und die Musikwelt sind offen für solche Entdeckungsreisen. Sie kommen mit. Sie hören hin. Und das ist einfach fantastisch.
Kommt nach so einer Nominierung der Gedanke an einen zweiten Teil dieses erfolgreichen Projekts auf? Gäbe es denn noch weitere Stücke von Komponistinnen, die Sie gern noch aufnehmen würden? Wenn ja, welche?
Ja: Während der Arbeit an dem Album habe ich mehr wunderbare Musik entdeckt, als auf einer einzigen CD Platz finden könnte. Besonders am Herzen liegen mir Komponistinnen wie Louise Farrenc, Anne Louise Brillon de Jouy, Maria Herz, Agathe Backer-Grøndahl, Marianna Martines und Henriette Bosmans. Gleichzeitig fasziniert mich auch die Musik unserer Zeit: die Kompositionen von Lera Auerbach, Johanna Doderer und Caroline Shaw.
Aber es geht nicht einfach nur um eine Fortsetzung, ein zweites Kapitel. Viel wichtiger ist: Welche Geschichte wollen wir als Nächstes erzählen?
Wahrscheinlich hat sie die OPUS Klassik-Nominierung aber in einer ganz anderen Phase Ihres Lebens erreicht – woran arbeiten Sie gerade?
Das stimmt. Ich höre immer mehr die Geschichten, die in und hinter der Komposition und dem Klavierklang verborgen liegen. Und dann versuche ich, genau diese Geschichte an die Zuhörer weiterzugeben. Ohne Umwege. Einfach nur so, wie sie zu mir gekommen ist.
Dabei bewegt mich nicht nur das einzelne Werk. Mich bewegt der Raum zwischen den Werken. Die Stille dazwischen. Die Dialoge, die entstehen, wenn Musik, Literatur, Malerei und Tanz miteinander zu sprechen beginnen.
So habe ich zum Beispiel für mein Liszt-Rezital in Luxemburg Bilder von Caspar David Friedrich zu den Klängen von Sonetto 104 di Petrarca gestellt. Nicht um zu zeigen, sondern um zu fragen: Was passiert, wenn zwei Künste dasselbe Gefühl umkreisen?
Youtube-Link: Liszt: Sonetto 104 del Petrarca | Nareh Arghamanyan
Ein Konzert ist mehr als eine Abfolge von Stücken. Es ist eine Reise durch Gedanken, durch Bilder, Emotionen. Oft kommen Zuhörer vorbelastet ins Konzert, bepackt mit Ängsten, Sorgen, Problemen, Stress, manchmal mit Krankheiten. Da haben wir als Künstler eine ganz große Aufgabe: die Seelen ein wenig zu entlasten. Einen Augenblick lang Entspannung anzustreben. Vielleicht sogar ein bisschen Glück zu vermitteln. Nicht weil wir etwas Besonderes können. Sondern weil die Musik es kann.
Derzeit arbeite ich an Projekten rund um die Kunst der Transkription. Ich liebe die Idee, dass Musik verwandeln kann. Dass ein Lied, ein Orchesterwerk, manchmal sogar ein Gedicht auf dem Klavier ein neues Leben finden können. Es ist faszinierend, wie aus dem Klavier eine Flöte wird, ein Cello, ein ganzes Orchester. Wie ein einziges Instrument so viele Stimmen sprechen lassen kann.
Mein nächstes Album ist gerade fertig geworden: Transkriptionen zu Themen von Johann Strauß. Bearbeitungen von Schütt, Rosenthal, Grünfeld, Dohnányi, Schulhoff, Godowsky. Jeder hat auf seine Weise den Walzer ins Klavier übersetzt. Mal funkelnd, mal sehnsüchtig, mal melancholisch, mal voller ironischer Verbeugung vor dem Walzerkönig. Es ist, als ginge man durch einen Spiegelpalast: überall bekannte Melodien, aber eben anders: verfremdet, verwandelt, neu erzählt. Da kommen Poesie, Entdeckung und Virtuosität in einem zusammen. Mein nächstes Projekt ist Liedtranskriptionen von Frederic Meinders gewidmet, den ich sehr verehre. Auch seine fantastischen Bearbeitungen von Robert Schumanns Dichterliebe für Solo-Klavier verehre ich sehr.
Wenn Sie einmal auf Ihre Karriere zurückblicken, in der es sicherlich mancherlei Widerstände zu überwinden gab, was bedeutet es Ihnen, wenn Sie merken, dass die Projekte, die Sie veröffentlichen, Anerkennung erfahren?
Wir sind oft lange Zeit alleine mit einer Idee. Wir sitzen am Klavier, spüren einen Klang, einen Gedanken und niemand sonst weiß davon. Es ist ein zartes Etwas, das man behütet und wachsen lässt.
Wenn dann Anerkennung kommt, empfinde ich das weniger als persönliche Bestätigung. Vielmehr ist es ein Zeichen dafür, dass die Idee ans Licht gekommen ist. Dass der Klang, den ich gehört habe, auch von anderen wahrgenommen wird. Dass die Geschichte, die mich bewegt hat, auch Andere berührt.
Als Künstler sollten wir anstreben, Erfolg neu zu definieren. Es geht nicht um Zahlen, Auszeichnungen und Applaus. Ein Konzert ist gelungen, wenn wir das Gefühl haben, ehrlich gewesen zu sein. Wenn wir uns nicht hinter Virtuosität oder Routine verstecken. Und wenn eine echte Verbindung entstanden ist: ein Dialog zwischen uns und den Menschen im Saal. Ein Augenblick, der verweilt, in dem wir gemeinsam etwas fühlen. Dann hat sich die Einsamkeit gelohnt.
Ihr erstes Album erschien 2009 – was hat sich aus Ihrer Sicht seitdem auf dem Klassikmarkt geändert? Stimmt es, was alle sagen, dass alles nur schwieriger, schneller, unkonzentrierter geworden ist? Oder gab es in den Jahren seit Ihrem ersten Album auch Entwicklungen, die Sie positiv hervorheben möchten?
Die Musikwelt hat sich enorm verändert. Streaming und soziale Medien haben vieles demokratisiert und Künstlern neue Möglichkeiten eröffnet, ihr Publikum direkt zu erreichen.
Gleichzeitig ist die Aufmerksamkeitsspanne kürzer geworden und die Konkurrenz um Aufmerksamkeit beim Publikum größer. Die Herausforderung besteht darin, sich selbst dabei nicht zu verlieren. Vielleicht ist unsere Aufgabe neue Wege zu nutzen, ohne die alten Werte zu vergessen: Die Tiefe, die Geduld, die Hingabe an den Klang.
Zumindest scheint es so zu sein, dass Musik allein nicht mehr auszureichen scheint, um als Musiker heute Öffentlichkeit zu bekommen. Igor Levit engagiert sich neben seiner Musik auch in der Politik, Yuja Wang wird neben ihrer Solistenkarriere mit dem Thema Mode in Verbindung gebracht, Boris Giltburg macht auch als Fotograf von sich reden und hat Ausstellungen mit seiner Fotografie – was ist Ihr „Steckenpferd“, von dem vielleicht noch keiner etwas weiß oder widmen Sie sich wirklich ausschließlich der Musik?
Musik steht im Zentrum meines Lebens. Sie ist mein Zuhause, meine Sprache, meine tiefste Art zu sein. Aber sie ist nicht alles, was mich atmen lässt.
Vielleicht überrascht es, dass ich neben Musik auch Theologie und Religionswissenschaften tief gewidmet bin. Das ist ein Teil von mir, den man nicht sieht, wenn ich am Klavier sitze.
Ich kenne über 50 Psalmen von König David auswendig. Sie sind für mich wie alte, vertraute Lieder: voller Klage, Jubel, Sehnsucht nach dem Unsichtbaren. Gott hat für mich größte Bedeutung. Nicht als Antwort auf alle Fragen, sondern als die Stimme, die fragt: Warum bist du? Was suchst du?
Ich bin ein spiritueller Mensch: ich glaube an das Unsichtbare, was zwischen den Tönen geschieht. Andererseits bin ich aber auch analytisch und tauche gerne in Primärquellen ein: So habe ich die Schriften von Origenes von Alexandria und Gregor von Nyssa entdeckt: zwei bedeutende Denker der frühen Kirche. Ihre Ernsthaftigkeit, mit der sie sich den Fragen des Menschseins nähern ist beeindruckend. Sie ermutigen mich vor schwierigen Fragen nicht zurückzuschrecken. Das gilt für die Theologie. Und auch für die Musik: Musik ist Gottessprache. Und wie Bach sagt: Soli Deo Gloria. Sowohl in der Kunst als auch in der Spiritualität geht es darum, hinter die Kulissen zu schauen. Nach einer tieferen Wahrheit zu suchen, die man spürt, auch wenn man sie nicht sieht.
Viele meiner Ideen entstehen deshalb nicht am Klavier allein. Sondern beim Lesen. In Gesprächen. Beim Nachdenken über Dinge, die auf den ersten Blick gar nichts mit Musik zu tun haben. Und dann setze ich mich hin, spiele den ersten Ton und plötzlich ist alles da. Die ganze Welt, die mich bewegt, klingt mit.
Was machen Sie, wenn Sie den OPUS Klassik nicht gewinnen sollten? Eine Nominierung ist ja keine Garantie für den Gewinn des Preises. Wären Sie sehr enttäuscht?
Ich werde weiterhin nach Musik suchen, die berührt. Und weiter Geschichten erzählen: ehrlich und von Herzen. Und versuchen Menschen durch Musik erreichen, vielleicht sogar sie ein kleines Stück glücklich zu machen.
Das Schöne an unserem Beruf ist, dass man nie weiß, wohin die Reise führt. Dass man sich überraschen lassen muss. Denn Gottes Wege sind unergründlich…
